Gerard Byrne: Masculinidad y tiempo colapsado

Si nos aproximamos a una de las fotografías de la serie “Newsstands” (2007-) de la exposición de Gerard Byrne que actualmente acoge la Whitechapel de Londres, podremos leer en la cartela una cifra que hace referencia a un tiempo pasado. Por ejemplo, “Eleven days and twenty-one days ago”. Esta referencia temporal indica que hace once meses y veintiún días que dicha fotografía fue tomada. El hecho de que el título de la imagen esté supeditado al día de la realización de la toma fotográfica, revela que la noción de provisionalidad queda adherida, no sólo al título de la obra, sino al lugar en el que esta es mostrada. La idea de temporalidad relativa está fuertemente vinculada a la obra de Gerard Byrne, como también lo están la teatralidad, la literatura o lo masculino, por nombrar algunas de las múltiples características que abarcan la enciclopédica obra del artista.

Nacido en Dublín el año 1969, Gerard Byrne arrastra una larga trayectoria a sus espaldas. Sus proyectos han sido exhibidos en importantes museos de todo el mundo, ha representado a su país en la Bienal de Venecia en varias ocasiones y el pasado año mostró una de las piezas más aclamadas de dOCUMENTA(13): “A man and a woman make love” (2012), también presente en esta exposición. La obra de Byrne es conocida por revisitar momentos del pasado y recrearlos desde el presente, y para ello, utiliza como recurso entrevistas extraídas de revistas como National Geographic, Playboy o La Révolution surréaliste. Estas conversaciones se transforman en guiones que reconstruyen sucesos de la cultural popular mediante un particular acercamiento, en ocasiones hierático e intencionadamente artificial.

La sala que abre la muestra contiene una instalación de estructuras modulares que ocupan gran parte del espacio. Estas paredes funcionan como pantallas, al mismo tiempo que refuerzan su carácter escultórico mediante su contundente presencia. La primera película que se presenta es “A man and a woman make love” (2012), una recreación en formato televisivo (con público incluido) de una de las primeras conversaciones sobre sexo y erotismo llevadas a cabo por el grupo de surrealistas liderado por André Breton en 1928. Las cinco pantallas que se ecuentran en la sala muestran cómo los actores que representan a Breton, Tanguy o Queneau entre otros, dialogan con franqueza sobre sus fantasías y fetiches sexuales. El hecho de saber que esta conversación fuera a ser publicada en “La Révolution surréaliste”, no parecía eludir la masculinidad de sus aserciones.

En oposición al registro teatral, incluso paródico, de la recién mencionada película, “Homme à Femmes” (2004) protagonizada por el francés Michel Debrand, muestra una brillante interpretación de Jean Paul Sartre. Durante esta conversación, el filósofo habla sobre sus relaciones con las mujeres, en particular con la feminista Simone de Beauvoir, con la que mantuvo una larga historia de amor polígama. Este acepta abiertamente que, a pesar de su fealdad, desde muy temprana edad las mujeres se organizaban en torno a él y no vacila al decir que siempre la ha seducido la idea, pese al machismo inherente, de asumir la dependencia de una mujer en cualquier término, como por ejemplo, el financiero.

La tercera y última película de esta sala es “A thing is a hole in a thing it is not” (2010). Esta video instalación, a diferencia de las dos anteriores, desarrolla, si cabe, una mayor compleja relación con el espectador, mediante la configuración de las ediciones fílmicas en el espacio. En este caso las proyecciones no muestran varios puntos de vista de una misma reconstrucción, sino que combinan diferentes sucesos en las cinco pantallas, obligando al espectador a estar en continúo movimiento por la sala. La serie de videos mostrados recoge momentos clave de la historia del arte de los años sesenta, desde la escultura performática de Robert Morris “Column” (1961), hasta una entrevista radiofónica entre Donald Judd, Dan Flavin y Frank Stella. Sin duda, una de las lecturas que se puede hacer de esta instalación es la reflexión en torno al lenguaje fílmico y la capacidad de codificación que desarrolla el espectador.

Otras de las películas que se presentan en la primera retrospectiva del artista en la capital británica son las extraídas de conversaciones publicadas en la revista “Playboy”. Estas son, “Why it’s time for Imperial, again” (1998-2002), una interpretación de una charla entre Frank Sinatra y el responsable de Chryler; “New sexual lifestyles” (2003), un debate sobre el futuro del sexo por un grupo de especialistas en pornografía y una feminista; y finalmente “1984 and beyond” (2005-07), una conversación entre varios escritores de ciencia ficción los cuales divagan sobre cómo será el futuro. Esta última proyección está acompañada de unas fotografías en blanco y negro que Byrne comenzó a realizar como parte de la investigación. Lejos de considerarse un proyecto fotográfico a la vieja usanza (Byrne invita a otras personas a fotografiar con él, dejando de lado la clásica noción de la mirada del fotógrafo como testigo del mundo), el artista trata de investigar cuáles son las diferencias entre el pasado y el presente.

En un texto publicado en October en 1978, Thierry de Duve reflexionaba sobre la diferencia entre la fotografía instantánea y la de larga exposición, y comentaba que la fotografía no sólo derriba las categorías habituales del tiempo, sino que produce una nueva categoría espacio-temporal, un ilógico vínculo entre el aquí y el antes (de Barthes) más próximo a la instantánea, así como entre el ahora y el allí asociado a la fotografía de larga exposición. Esto viene a decir que la fotografía conlleva, de manera intrínseca, una paradoja espacio-temporal entre el presente y el pasado.

En una entrevista realizada a Byrne hace un par de años y publicada en The Common Guild, hablaba sobre esta paradoja temporal y la describía como un extraño solapamiento del tiempo: “creo que es bastante interesante darse cuenta de que las diferencias entre ahora y antes son en realidad difíciles de distinguir. Hay una extraño colapso de temporalidad y parte de mi proyecto como artista ha sido tratar de llegar a comprender cuál es esa relación.” Gerard Byrne no sólo refleja esa paradoja espacio-temporal en sus fotografías, sino que la extrapola al lenguaje fílmico de sus películas desplegando, entre otras de las múltiples lecturas posibles de su obra, un pasado abierto a nuevas consideraciones.