Hablar de otros para hablar de uno mismo es una estrategia bien conocida en el mundo del arte. Esto es precisamente lo que hace Jonathan Monk a partir del maestro, Richard Prince, de un grupo de j\u00f3venes artistas y, para redondear la cita, del mism\u00edsimo Prince, el genio de Minnesota. <\/p>\n
\nJonathan Monk es un artista f\u00e1cil de clasificar. Su trabajo presenta los formatos m\u00e1s variados y las apariencias m\u00e1s diversas (pinturas abstractas, fotograf\u00edas documentales, textos que fijan citas para un futuro pr\u00f3ximo, objetos que reproducen partes de su propio cuerpo como unidad de medida, indicadores con las horas de apertura de una galer\u00eda de arte o proyecciones de diapositivas que “animan” propuestas minimalistas, entre otras), pero su discurso es claro: analiza los referentes del arte desde una mirada ir\u00f3nica anclada en el presente. Su objetivo tambi\u00e9n lo es: desmitificar el arte y el proceso creativo, bajarlo de su pedestal y cuestionar la idea de autoridad art\u00edstica. Su estrategia: de una manera camale\u00f3nica, se apropia de ideas e im\u00e1genes, las revisa y propone su relectura desde la iron\u00eda. <\/p>\n
Lejos de ser un outsider del sistema del arte, la trayectoria de Jonathan Monk goza de pleno reconocimiento, es habitual en los listados de artistas de bienales internacionales, est\u00e1 representado o colabora con m\u00e1s de media docena de galer\u00edas internacionales (y, en consecuencia, su diversificada presencia es a veces excesiva en ferias de arte internacionales). Y, claro, tambi\u00e9n comisar\u00eda exposiciones. <\/p>\n
“Richard Prince and the Revolution” es una exposici\u00f3n comisariada por Jonathan Monk, en la que utiliza una inteligente estrategia que consiste en hablar de otros para, en el fondo, hablar de uno mismo o para generar situaciones de significado. Repasando otros ejemplos de artistas que han actuado de manera parecida, nos encontramos con Franz West. En 2007, West inici\u00f3 junto a Urs Fischer el proyecto “Hammsterwheel” que reuni\u00f3 una serie de trabajos relacionados con una idea de “carnavalizaci\u00f3n” del arte, humor, baja tecnolog\u00eda y una cierta suciedad, es decir, algunas de las caracter\u00edsticas que definen el trabajo del propio West. La exposici\u00f3n que se mostr\u00f3 en Le Primtemps de Setembre de Montpellier, el Centro de Arte Santa M\u00f2nica y la 52 edici\u00f3n de la Bienal de Venecia, fue creciendo y readapt\u00e1ndose, incluyendo y depurando trabajos de una manera rizom\u00e1tica, a partir de criterios de amistad, cercan\u00eda o empat\u00eda entre los artistas. <\/p>\n
Otros casos: en noviembre de 2007, en el Palais de Tokyo, Ugo Rondinone comisari\u00f3 una exposici\u00f3n en la que incluy\u00f3 artistas presentes en su colecci\u00f3n. En septiembre de 2008, Fran\u00e7ois Curlet reuni\u00f3 a una veintena de artistas en una exposici\u00f3n titulada “Curiosit\u00e4t” en la que lo cotidiano era el “leitmotiv” tanto de las obras seleccionadas como de los intereses discursivos de Curlet. En esa misma direcci\u00f3n hab\u00eda trabajado en el 2002, Antonio Ortega (tambi\u00e9n presente en la exposici\u00f3n de Curlet) en “Antonio Ortega and the Contestants”, en la que transformaba su exposici\u00f3n individual en The Showroom en Londres en una muestra colectiva en la que invit\u00f3 a participar a cinco artistas reci\u00e9n licenciados en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Con esta propuesta, pretend\u00eda evidenciar las din\u00e1micas de producci\u00f3n en arte, al mimetizar las estrategias promocionales de otros \u00e1mbitos de la cultura pop, a la vez que exploraba las nociones de autor\u00eda y la naturaleza jer\u00e1rquica y competitiva del mundo del arte. Y tambi\u00e9n, last but not least, se erig\u00eda en referente para una generaci\u00f3n m\u00e1s joven de artistas. <\/p>\n
Otra posibilidad es hablar de otro para hablar de uno mismo, pero no mirando al futuro sino buscando referentes reconocidos y como estrategia de legitimaci\u00f3n. En octubre de 2004, tras recibir el Hugo Boss Prize en 2002, exponer en el Museo Guggenheim de Nueva York y mientras se afianzaba su presencia en la escena art\u00edstica norteamericana, Pierre Huyghe escribi\u00f3 un art\u00edculo titulado “Garden party” en la revista Artforum, en el que analizaba los trabajos de Andy Warhol y sus maneras de producir, en relaci\u00f3n al capitalismo y a la sociedad de consumo, pero en el que sobretodo pon\u00eda el \u00e9nfasis en la idea de The Factory como lugar de producci\u00f3n de mitos y relaciones m\u00e1s que de objetos. Al definir The Factory como un lugar relacional, Huyghe establece una genealog\u00eda que lo vincula directamente a Andy Warhol, o lo que es lo mismo, viene a decir: “Andy Warhol y yo”. <\/p>\n
En “Richard Prince and the Revolution”, Jonathan Monk hace como Ortega y como Huyghe a la vez. Se legitima a partir de un referente incuestionable, al tiempo que incorpora artistas m\u00e1s j\u00f3venes (algunos de ellos alumnos suyos) para los cuales \u00e9l mismo se constituye en referente. Y \u00bfcu\u00e1l es el referente de Monk? Ni m\u00e1s ni menos que el rey de la apropiaci\u00f3n, Richard Prince, el artista que en 1975 empez\u00f3 a trabajar con collages de fotograf\u00edas y desde entonces no ha parado de hacer “rephotographs”, es decir, de fotografiar los trabajos de otros, de tomar im\u00e1genes publicitarias de las que elimina esl\u00f3ganes y marcas, como es el caso de los cowboys de Marlboro, o de incorporar chistes f\u00e1ciles y populares a sus obras, como estrategia para mostrar el subconsciente de la conciencia colectiva americana, al tiempo que, desde la iron\u00eda y la subversi\u00f3n de los mensajes, cuestiona las nociones de autor\u00eda, autenticidad y copyright. <\/p>\n
No es la primera vez que los nombres de Jonathan Monk y Richard Prince se a\u00fanan en un mismo proyecto. En el a\u00f1o 2006, en la galer\u00eda Mezzanin de Viena, la exposici\u00f3n “Jonathan Monk, Richard Prince”, estableci\u00f3 un di\u00e1logo entre los trabajos de ambos artistas. Una relaci\u00f3n que Monk no duda en retomar ahora para enfatizar esa genealog\u00eda que le une directamente a Richard Prince, un artista adem\u00e1s bien cotizado (recordemos que “Untitled (Cowboy)” bati\u00f3 un record en una subasta en Christie’s New York en el a\u00f1o 2005 al venderse por un mill\u00f3n de d\u00f3lares), un tipo de reconocimiento al cual Monk no hace ascos. Pero adem\u00e1s, Monk a\u00f1ade un eslab\u00f3n m\u00e1s a la cadena, al incorporar a Pierre Bismuth, un artista casi de la misma generaci\u00f3n que Monk (Bismuth naci\u00f3 en 1963 y Monk en 1969), de dilatada trayectoria e interesado en analizar y deconstruir los modelos de percepci\u00f3n y desestabilizar los c\u00f3digos de lectura. En la exposici\u00f3n en ProjecteSD, Bismuth est\u00e1 bien representado con una obra al m\u00e1s puro estilo Prince, consistente en dos revistas de moda femeninas cuya lectura fragmentada y transversal de los titulares otorga nombre a la pieza: “Don’t Date After Apartheid”. <\/p>\n
De esta manera, en “Richard Prince and the Revolution”, el trabajo de Prince es revisitado o citado a partir de una docena de artistas que subrayan ciertos rasgos caracter\u00edsticos del artista norteamericano. Destacamos algunos de ellos: Anne Collier y Matthew Higgs hacen referencia a la pasi\u00f3n por los libros de Prince al fotografiar el libro “I Married An Artist”, la autobiograf\u00eda de una mujer que se cas\u00f3 con un renombrado artista canadiense. La referencia encuentra ecos en la vida personal de Collier y Higgs, tambi\u00e9n pareja. Scott Myles se centra en la re-fotograf\u00eda y re-creaci\u00f3n de im\u00e1genes publicitarias y presenta un doble autorretrato acompa\u00f1ado de una peque\u00f1a fotograf\u00eda de referencia: dos fotograf\u00edas casi id\u00e9nticas en las que aparece un primer plano del artista esconden un gran diferencia de “making off”, ya que mientras en una de ellas el artista posa delante de un fragmento de una valla publicitaria de Marlboro en la que se identifica Monument Valley, la otra fue tomada en la localizaci\u00f3n original. La peque\u00f1a fotograf\u00eda de referencia muestra el cartel de Marlboro en Escocia. Isabell Heimerdingen retoma un trabajo antiguo, datado en 1999, que alude a los trabajos de Cowboys de Prince. Heimerdingen recort\u00f3 anuncios de Marlboro aparecidos en revistas y elimin\u00f3, disimul\u00e1ndolos con pintura, todos aquellos elementos que no formaban parte del paisaje, desde las cajetillas de tabaco hasta los propios vaqueros, de manera que devuelve a los caballos a su entorno natural y salvaje. Dan Rees retoma los trabajos de “Girlfriends” de Prince (fotograf\u00edas de tono er\u00f3tico de chicas) y las transforma en “80 girlfriends in 2007”, en el que muestra en 80 diapositivas una serie de im\u00e1genes de amigas y conocidas del artista durante el a\u00f1o 2007. La referencia de Rees en este caso no es s\u00f3lo Prince, sino tambi\u00e9n Ed Ruscha y “Five 1955 Girlfriends” (1969), un trabajo publicado en el cat\u00e1logo de la exposici\u00f3n “Konzeption-Conception” del St\u00e4dtisches Museum de Leverkusen en el que Ruscha incorpor\u00f3 retratos de sus amigas en la escuela en Oklahoma. <\/p>\n
Y, puesto que los libros siempre han estado bien presentes en la trayectoria de Prince (en ProjecteSD se presenta una exhaustiva selecci\u00f3n), la contribuci\u00f3n de Jonathan Monk se completa con la publicaci\u00f3n de un libro de artista “Studio Visit” en el que Monk nos abre su estudio, es decir, multitud de im\u00e1genes que por una u otra raz\u00f3n el artista se\u00f1ala, recoge y compila. <\/p>\n
No cabe duda que existe una clara conexi\u00f3n entre los trabajos de Prince y Monk, pero tambi\u00e9n encontramos diferencias. Prince es un coleccionista de arte, de muebles, de libros, de im\u00e1genes y de referencias, necesita apropiarse para evidenciar cosas, utiliza la mimetizaci\u00f3n para decir algo completamente diferente, que en su caso es muy concreto: lo que se esconde tras la llamada “identidad americana”. Monk, por su parte, seguramente subscribir\u00eda sin problemas la respuesta de Vito Acconci a una pregunta acerca de la definici\u00f3n de su pr\u00e1ctica como artista conceptual: “I don’t have any particular skills, but I know how to use the Yellow Pages”.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
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