Mitologías materiales

Los más felices de los nenúfares crecen este año en el Pabellón de Canadá de la Bienal de Venecia. Entre chien et loup (Entre perro y lobo) de Abbas Akhavan (n. 1977, Teherán) transforma el pabellón canadiense en un invernadero donde los nenúfares Victoria (Victoria cruziana) florecen en condiciones ideales de calor y humedad. En su nuevo jardín, resisten la apropiación imperial y comienzan a desprenderse del peso de su referencia política a la reina Victoria (1819–1901). Porque, allí donde sus semillas puedan llegar, si se les proporciona la ecología adecuada, prosperan.

Akhavan traslada los nenúfares de la exhibición en la Gran Exposición Universal de 1851 en el Hyde Park de Londres a la actual feria mundial del arte. Sin embargo, a diferencia de 1851, Entre chien et loup comienza a desmitificar el nenúfar dando al espectador espacio para ser testigo de la agencia de la planta y de la desnudez de su vida material. El público puede participar de la simple alegría de observar cómo estos nenúfares florecen durante el verano. Aunque su legado colonial permanece en segundo plano, Akhavan crea una ecología para que los nenúfares comiencen a respirar. El nenúfar en flor nos recuerda la posibilidad de sobrevivir a imaginarios impuestos y a significaciones políticas.

Sofia Dona, In Tempe or the dales of Arcady (2026), Bienal de Tesalónica, 2026. Foto: @sofia_dona_

Por otro lado, hay artistas que nos hacen esforzarnos al cargar sus obras con tanta mitología que acabamos perdiendo el hilo. En febrero de 2023, un devastador accidente de tren en el valle de Tempe, Grecia, causó la muerte de 57 personas que viajaban de Atenas a Tesalónica. Tras el suceso, la sociedad griega celebró vigilias en honor a las víctimas, protestas exigiendo responsabilidades, disturbios contra la corrupción y huelgas del sindicato ferroviario. La artista y activista griega Sofia Dona (n. 1981, Atenas) respondió a estos acontecimientos trágicos con In Tempe or the dales of Arcady (En Tempe o en los valles de Arcadia), un vídeo de quince minutos compuesto por imágenes filmadas así como animaciones generadas por IA.

Para Dona, toda la ecología del valle de Tempe, pasado y presente, sirvió como archivo material. Utilizó la IA para reanimar el clima de biodiversidad extinguida que ocupaba antes el valle. Aunque se trata de un gesto conmovedor para rendir homenaje a las vidas perdidas recientemente, la obra está repleta de referencias mitológicas que resultan de difícil comprensión. Dona mezcla referencias a las Metamorfosis de Ovidio con la poesía de John Keats y los susurros de dos de sus amigos que casi subieron al tren descarrilado. Debe existir una manera menos enrevesada de mitologizar esta ecología. Donde Dona sí acierta es en no reexternalizar la violencia de la tierra, sino en reimaginar aquello que ha desaparecido. Su vídeo se erige como un monumento efímero a las vidas perdidas.

Kirtika Kain, Chronicles (2025), Aspinwall, Bienal de Kochi, 2025. Foto: Vivek Gupta

Además de las mitologías materiales que responden a una historia ecológica como las de Akhavan y Dona, existen otras de carácter profundamente personal. Dichas mitologías obligan al espectador a recomponer las piezas para entender exactamente qué materiales utilizó el artista en sus obras y por qué esos materiales importan. Y, alerta de spoiler, esos materiales no suelen ser evidentes y con frecuencia obligan a leer con atención la letra pequeña del texto expositivo.

Dos artistas, Kirtika Kain (n. 1990, Nueva Delhi) y Adebunmi Gbadebo (n. 1992, Livingston), cuyas obras se presentaron en Kochi y Venecia respectivamente, han creado objetos abstractos que reflexionan sobre sus biografías personales. El proyecto Chronicles (Crónicas) (2025) de Kain incluye mechas para lámparas de algodón empapadas en alquitrán e incrustadas en placas suspendidas de cobre de color verde mar. Mediante el calentamiento, la fundición y la oxidación, la artista deja que afloren las texturas del cobre. Este laborioso proceso da lugar a abstracciones que acentúan la mutabilidad del material. Sin embargo, la conexión de Chronicles con la identidad de la diáspora dalit a la que pertenece Kain no resulta evidente a primera vista. Es cierto que las comunidades dalit se distinguen por su tradición en los trabajos de metalurgia, pero queda en manos del público preguntarse si este es el motivo por el que Kain centró su atención en este material.

Adebunmi Gbadebo, instalación de varias obras (2023–26), al fondo James Island (2025–26), Giardini, Bienal de Venecia, 2026. Foto: Vivek Gupta

Por su parte, las abstracciones de Gbadebo provocan igualmente que el espectador tenga que enfrentarse a una presencia material estratificada. Su uso de fragmentos de cabello afroamericano evoca, por supuesto, una larga genealogía material resumida de forma ejemplar en la práctica de Lorna Simpson (n. 1960, Brooklyn). Pero esta mitología material es mucho más específica de la identidad de Gbadebo. Por ejemplo, la letra pequeña de las siete obras suspendidas y realizadas en papel tituladas James Island (2023–26), nombre de un lugar al sur de Charleston en Carolina del Sur, incluye una larga lista de materiales. Está hecha “de tierra del cementerio de la plantación True Blue, SC; caolín extraído de Aiken, SC; tierra de la plantación Stoney Bluff, SC; cabello humano recogido en barberías de Harlem; índigo; mica; vincapervinca; pigmento azul de ftalatos; pigmento azul persa; cabello de Cheryl R. Riley; cáscara y semilla de algodón de la plantación True Blue; semilla de okra de la familia Moody; semilla de okra de la familia Catawba Freedman; semilla de guisante «ojo de pez» de la familia Ezelle; guisante Sea Island; horquillas, y barras de acero inoxidable”. Es un archivo extraordinario, del que se nos dice, que está vinculado a las comunidades de Carolina del Sur (SC) donde los antepasados de Gbadebo vivieron y fueron sometidos a trabajos forzados.

 James Island (2025–26), detalle, Giardini, Bienal de Venecia, 2026. Foto: Vivek Gupta

Y, a pesar de sus especificidades en relación con las identidades de la diáspora dalit o afroamericana, al observar ambas obras James Island de Gbadebo y Chronicles de Kain, vemos varias similitudes formales. Aparecen como láminas de mitologías personales coaguladas, ambas utilizando la abstracción para hablar de las relaciones de poder encarnadas en el trabajo. Sin embargo, ¿hasta qué punto estas materializaciones del conflicto y la memoria alcanzan algo más allá de una mitología personal? Y, ¿en qué medida su carga afectiva es dependiente del conocimiento de las complejas historias de los materiales utilizados? Son preguntas complejas porque ambas artistas destacan precisamente por exponer materiales texturizados y sus condiciones de producción.

Alfredo Jaar, The End of the World (2023–24), Arsenale, Bienal de Venecia, 2026. Foto: Denis Maksimov

Concluimos con una obra que funciona como contrapunto del pabellón de Akhavan. Si Entre chien et loup señala la persistencia de la vida material, The End of the World de Alfredo Jaar (n. 1956, Santiago) llama la atención sobre su destrucción. Intensificada por una luz roja que genera ansiedad, Jaar construye una catedral de la codicia humana en la que presenta diez metales raros: cobre, tierras raras, estaño, níquel, litio, manganeso, coltán, germanio y platino. Estos metales son esenciales para las tecnologías de guerra y son precisamente los materiales responsables de las tragedias humanas más graves del presente. Moldeados en forma de pequeño cubo y colocados en una vitrina al final de un pasillo rojo, estos metales se condensan para representar una nueva religión global basada en la extracción de recursos. Aquí, elegir entre el camino de la vida, como en los nenúfares de Akhavan, y la autodestrucción, como en The End of the World de Jaar, sigue siendo un desafío constante. La preservación de nuestra propia humanidad nos obliga a cultivar lo que Nadja Argyropoulou denomina “inteligencia radical” —el acto de creación más allá de los deseos manipuladores de acumular, domesticar y someter. Se trata de las mitologías materiales por las que decidimos regirnos y de cómo reescribimos su futuro.

[Imagen de portada: Abbas Akhavan (n. 1977, Teherán), Entre chien et loup, Pabellón de Canadá, Giardini, Bienal de Venecia, 2026. Foto: Denis Maksimov.]