Mitologies materials

Els més feliços dels nenúfars creixen aquest any al Pavelló del Canadà de la Biennal de Venècia. Entre chien et loup(Entre gos i llop) d’Abbas Akhavan (n. 1977, Teheran) transforma el pavelló canadenc en un hivernacle on els nenúfars Victoria (Victoria cruziana) floreixen en condicions ideals de calor i humitat. En el seu nou jardí, resisteixen l’apropiació imperial i comencen a desprendre’s del pes de la seva referència política a la reina Victòria (1819–1901). Perquè, allà on les seves llavors puguin arribar, si se’ls proporciona l’ecologia adequada, prosperen.

Akhavan trasllada els nenúfars de l’exposició de la Gran Exposició Universal de 1851 al Hyde Park de Londres a l’actual fira mundial de l’art. Tanmateix, a diferència de 1851, Entre chien et loup comença a desmitificar el nenúfar donant a l’espectador espai per ser testimoni de l’agència de la planta i de la nuesa de la seva vida material. El públic pot participar de la simple alegria d’observar com aquests nenúfars floreixen durant l’estiu. Encara que el seu llegat colonial roman en segon pla, Akhavan crea una ecologia perquè els nenúfars comencin a respirar. El nenúfar en flor ens recorda la possibilitat de sobreviure a imaginaris imposats i a significacions polítiques.

Sofia Dona, In Tempe or the dales of Arcady (2026), Biennal de Tessalònica, 2026. Foto: @sofia_dona_

D’altra banda, hi ha artistes que ens fan esforçar-nos en carregar les seves obres amb tanta mitologia que acabem perdent el fil. El febrer de 2023, un accident de tren devastador a la vall de Tempe, Grècia, va causar la mort de 57 persones que viatjaven d’Atenes a Tessalònica. Després del succés, la societat grega va celebrar vetlles en honor a les víctimes, protestes exigint responsabilitats, disturbis contra la corrupció i vagues del sindicat ferroviari. L’artista i activista grega Sofia Dona (n. 1981, Atenes) va respondre a aquests fets tràgics amb In Tempe or the dales of Arcady (En Tempe o a les valls d’Arcàdia), un vídeo de quinze minuts compost per imatges filmades i animacions generades per IA.

Per a Dona, tota l’ecologia de la vall de Tempe, passat i present, va servir com a arxiu material. Va utilitzar la IA per reanimar el clima de biodiversitat extingida que ocupava antigament la vall. Encara que es tracta d’un gest commovedor per retre homenatge a les vides perdudes recentment, l’obra està plena de referències mitològiques que resulten difícils de seguir. Dona barreja referències a les Metamorfosis d’Ovidi amb la poesia de John Keats i els murmuris de dos dels seus amics que gairebé van pujar al tren descarrilat. Ha d’existir una manera menys enrevessada de mitologitzar aquesta ecologia. On Dona sí encerta és en no reexternalitzar la violència de la terra, sinó en reimaginar allò que ha desaparegut. El seu vídeo s’erigeix com un monument efímer a les vides perdudes.

Kirtika Kain, Chronicles (2025), Aspinwall, Biennal de Kochi, 2025. Foto: Vivek Gupta

A més de les mitologies materials que responen a una història ecològica com les d’Akhavan i Dona, n’hi ha d’altres de caràcter profundament personal. Aquestes mitologies obliguen l’espectador a recompondre les peces per entendre exactament quins materials va utilitzar l’artista en les seves obres i per què aquests materials importen. I, alerta de spoiler, aquests materials no solen ser evidents i sovint obliguen a llegir amb atenció la lletra petita del text expositiu.

Dues artistes, Kirtika Kain (n. 1990, Nova Delhi) i Adebunmi Gbadebo (n. 1992, Livingston), les obres de les quals es van presentar a Kochi i Venècia respectivament, han creat objectes abstractes que reflexionen sobre les seves biografies personals. El projecte Chronicles (2025) de Kain inclou metxes de cotó per a làmpades impregnades de quitrà i incrustades en plaques suspeses de coure de color verd mar. Mitjançant l’escalfament, la fosa i l’oxidació, l’artista permet que aflorin les textures del coure. Aquest procés laboriós dona lloc a abstraccions que accentuen la mutabilitat del material. Tanmateix, la connexió de Chronicles amb la identitat de la diàspora dalit a la qual pertany Kain no resulta evident a primera vista. És cert que les comunitats dalit es distingeixen per la seva tradició en els treballs de metal·lúrgia, però queda en mans del públic preguntar-se si aquest és el motiu pel qual Kain va centrar la seva atenció en aquest material.

Adebunmi Gbadebo, instal·lació de diverses obres (2023–26), al fons James Island (2025–26), Giardini, Biennal de Venècia, 2026. Foto: Vivek Gupta

Per la seva banda, les abstraccions de Gbadebo provoquen igualment que l’espectador hagi d’enfrontar-se a una presència material estratificada. El seu ús de fragments de cabell afroamericà evoca, per descomptat, una llarga genealogia material resumida de manera exemplar en la pràctica de Lorna Simpson (n. 1960, Brooklyn). Però aquesta mitologia material és molt més específica de la identitat de Gbadebo. Per exemple, la lletra petita de les set obres suspeses i realitzades en paper titulades James Island (2023–26), nom d’un lloc al sud de Charleston, Carolina del Sud, inclou una llarga llista de materials. Està feta “de terra del cementiri de la plantació True Blue, SC; caolí extret d’Aiken, SC; terra de la plantació Stoney Bluff, SC; cabell humà recollit en barberies de Harlem; índigo; mica; vincapervinca; pigment blau de ftalats; pigment blau persa; cabell de Cheryl R. Riley; closca i llavor de cotó de la plantació True Blue; llavor d’okra de la família Moody; llavor d’okra de la família Catawba Freedman; llavor de pèsol ‘ull de peix’ de la família Ezelle; pèsol Sea Island; forquilles, i barres d’acer inoxidable”. És un arxiu extraordinari, del qual se’ns diu que està vinculat a les comunitats de Carolina del Sud (SC) on els avantpassats de Gbadebo van viure i van ser sotmesos a treballs forçats.

 James Island (2025–26), detall, Giardini, Biennal de Venècia, 2026. Foto: Vivek Gupta

I, malgrat les seves especificitats en relació amb les identitats de la diàspora dalit o afroamericana, en observar conjuntament James Island de Gbadebo i Chronicles de Kain, veiem diverses similituds formals. Apareixen com làmines de mitologies personals coagulades, totes dues utilitzant l’abstracció per parlar de les relacions de poder encarnades en el treball. Tanmateix, fins a quin punt aquestes materialitzacions del conflicte i la memòria arriben més enllà d’una mitologia personal? I en quina mesura la seva càrrega afectiva depèn del coneixement de les històries complexes dels materials utilitzats? Són preguntes difícils perquè totes dues artistes destaquen precisament per exposar materials texturitzats i les seves condicions de producció.

Alfredo Jaar, The End of the World (2023–24), Arsenale, Biennal de Venècia, 2026. Foto: Denis Maksimov

Concloem amb una obra que funciona com a contrapunt del pavelló d’Akhavan. Si Entre chien et loup assenyala la persistència de la vida material, The End of the World d’Alfredo Jaar (n. 1956, Santiago) posa l’atenció en la seva destrucció. Intensificada per una llum vermella que genera ansietat, Jaar construeix una catedral de la cobdícia humana on presenta deu metalls rars: coure, terres rares, estany, níquel, liti, manganès, coltà, germani i platí. Aquests metalls són essencials per a les tecnologies de guerra i són precisament els materials responsables de les tragèdies humanes més greus del present. Modelats en forma de petit cub i col·locats en una vitrina al final d’un passadís vermell, aquests metalls es condensen per representar una nova religió global basada en l’extracció de recursos. Aquí, triar entre el camí de la vida, com en els nenúfars d’Akhavan, i l’autodestrucció, com a The End of the World de Jaar, continua sent un repte constant. La preservació de la nostra pròpia humanitat ens obliga a cultivar el que Nadja Argyropoulou denomina “intel·ligència radical” —l’acte de creació més enllà dels desitjos manipuladors d’acumular, domesticar i sotmetre. Es tracta de les mitologies materials per les quals decidim regir-nos i de com reescrivim el seu futur.

[Imatge de portada: Abbas Akhavan (n. 1977, Teheran), Entre chien et loup, Pavelló del Canadà, Giardini, Biennal de Venècia, 2026. Foto: Denis Maksimov.]