Poner en escena

Como editora invitada del mes de septiembre en A*DESK, propongo pensar la escena como un espacio donde algo puede ensayarse y empezar a existir. Escenografía, performance, curaduría, danza y ritual aparecen aquí como prácticas capaces de producir relaciones y formas de conocimiento, pero también como herramientas para imaginar otras maneras de habitar, de construir comunidad y de sostener una memoria desde el pasado, el presente y el futuro. Poner en escena es representar, pero también producir las condiciones para que algo pueda empezar a construirse y suceder.

Los cuatro textos reunidos parten de lugares muy distintos, pero comparten una intuición, la de que el espacio escénico y sus metodologías son espacios de posibilidad y existencia, pero, sobre todo, de resistencia y memoria. Lo escenográfico puede entenderse así como ensayo, como desplazamiento, como ficción o como infraestructura de cuidado.

Empezamos con Roger Badia, quien parte de la relación entre arquitectura y escenografía para pensar precisamente esa condición de ensayo. A través de las arquitecturas de Aldo Rossi, y especialmente del cementerio de San Cataldo y el Teatro del Mondo, plantea cómo una construcción provisional o desplazada de su función original puede abrirse a otros usos y otras formas de habitar. La arquitectura aparece así como un escenario capaz de ser activado por quienes lo recorren, mientras que la dimensión performativa se plantea como una herramienta para anticipar posibilidades de transformación del espacio público.

Júlia Coelho sitúa la propia práctica curatorial en un espacio-entre. A partir de Linha Orgânica de Lygia Clark y de las prácticas de Susana Solano y Ángeles Marco, piensa el el comisariado como un intervalo donde las fronteras entre dentro y fuera, cuerpo y espacio, artista y público, pasado y presente pueden volverse inestables. La curaduría aparece entonces como una práctica performativa, como una forma de desplazarse entre obras, archivos, lugares y temporalidades para producir conocimiento a través del propio movimiento.

Seguimos con Jordi Mani Huesca, que a través del cuerpo, el sonido, el ritual y el rastro, traza una genealogía de memorias conectadas entre comunidades. A través del Bonkó ñánkue y el Abakuá, y de sus conexiones con el techno de Detroit y el ballroom de Harlem, propone pensar la danza y la música como tecnologías capaces de conservar y actualizar una memoria. En contextos de expulsión, precariedad, violencia y extractivismo, estas prácticas permiten generar comunidad, protección, pertenencia y economías paralelas de cuidado.

Y terminamos el mes con el film Flaming Ears, donde Tendai John Mutambu nos lleva a la construcción de un mundo a través de su escenografía. Frente a una ciudad y una realidad que no podían contener las formas de vida que sus protagonistas imaginaban, Ursula Pürrer, A. Hans Scheirl y Dietmar Schipek construyeron la ciudad ficticia de Asche mediante maquetas, decorados, vestuario, música, efectos y una producción profundamente colectiva y DIY. La escenografía deja aquí de ser un fondo para convertirse en una herramienta de autoconstrucción, ya que si el mundo existente no ofrece el espacio que se desea habitar, siempre queda la posibilidad de construir otro, aunque sea con cartón, restos, disfraces y algunos cómplices.

De la arquitectura al cuerpo curatorial, de la maqueta a la pista de baile, estos cuatro textos entienden la escena como un lugar de transformación. Poner en escena es aquí una forma de hacer espacio y preservarlo. Es también una manera de ensayar aquello que todavía no sabemos cómo habitar. Quizás aquí lo escénico y sus metodologías y disciplinas no tenga tanto que ver con representar un mundo sino en cómo generar e imaginar las condiciones para que otros puedan aparecer.

(Imagen de portada: Susana Solano, La linterna I, 2002-2003. Colección: Parque del Prado. Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz)